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Mostre ed eventi // Pagina 166 di 223
14.02.2010 # 1235
Zurigo | Il design senza forma | Museo del design

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Zurigo | Il design senza forma | Museo del design

Fino al 14/02/2010

 


Quale designer non si è cimentato con la progettazione di una sedia? Probabilmente la sedia è stata da sempre un utile elemento per la progettazione da parte di designer e artisti, e questa mostra ci fa vedere come la fantasia e la creatività dei designer sia legata a questo oggetto, in una mostra chiamata "Formless Furniture", ovvero Design informe o se vogliamo, il design senza forma. Il motto della mostra è "La forma segue la materia" poiché il rapporto tra forma e materia risulta indefinito. La storia del design "informe" è raccontata attraverso diverse sedute a partire dagli anni 60, quando i designer di mobili si rifiutarono di seguire metodi convenzionali nel campo della progettazione d'interni e si ispirarono all'arte per creare delle alternative a quello che c'era, ovvero il mobile classico, con la sua "forma" ben costituita ma rispondente a canoni estetico-funzionali di dubbia efficacia e bellezza. Occorreva adattare la materia al nuovo pensiero, dove la forma non era più così sicura e si cercava una nuova identità nella forma – pensiero delle cose e degli oggetti di uso quotidiano, assieme anche ai nuovi materiali con cui tutto questo cominciò ad essere concepito. I più grandi artisti e designer si sono sempre apposti, spesso in maniera ironica, agli stili convenzionali e in questa mostra ne vediamo degli esempi concreti, dalla colata di poliuretano che il danese Gunnar A. Anders (1912-1982) fa nel 1964 per ottenere una poltrona, fino a Ron Arad, Gatenao Pesce, i fratelli Campana e alla rivoluzione digitale di oggi con Karim Rashid, attraverso il disegno sperimentale degli ultimi 40 anni e fiumi di plastica, che è stata la protagonista di questo nuovo design"informe", dando l'impressione di svuotare le forme e di ridisegnare la materia. La mostra è stata prodotta al Mak di Vienna ed ed è adesso passata al Museo del Design di Zurigo.

14.02.2010 # 1265
Zurigo | Il design senza forma | Museo del design

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Genova | Henri Cartier-Bresson. Russia

Fino al 14/02/2010

Un’occasione per vedere i quaranta scatti che “l’occhio del secolo”, così come è stato chiamato il grande fotografo francese Herni Cartier-Bresson, fece nel 1954 in Russia, un anno dopo la morte di Stalin. A Genova, Palazzo Ducale, nella Loggia degli Abati. Le fotografie sono messe a confronto con quelle che realizzò in un altro viaggio in Russia del 1973, in piena guerra fredda. Sono foto memorabili perché Cartier Bresson ritrae la quotidianità della gente, cerca di cogliere una Russia che non si è ancora “destanilizzata”, rivelandone i timori e le profonde incertezze. Si interessa del lavoro, dei divertimenti, dei vari contesti sociali e aspetti meno noti, immortala gli ufficiali della Guardia Rossa mentre con la coda nell’occhio sbirciano le ragazze, i poveri e le mogli della nomenklatura, gli aneddoti di strada e le feste popolari. Robert Capa, nel 1947 lo aveva preceduto e aveva viaggiato in Urss con John Steinbeck per il Russian Journal. Ma le immagini di Cartier-Bresson mostrano una Russia in sordina, cogliendo un momento storico cruciale in cui la superpotenza comunista mostrava tutta la sua fragilità. Quando poi, nel 73 decise di tornare disse “”A distanza di diciannove anni dal primo viaggio, desiderai tornare indietro e visitare nuovamente la Russia. Non c’è nulla di più rivelatorio che confrontare una nazione con se stessa osservandone i cambiamenti e cercando di individuare il suo filo conduttore”. L’occhio della macchina fotografica è un testimone incredibile, il vero e proprio filo conduttore di questo passaggio. Le foto che vediamo qui sono completamente inedite e raccolte in un volume pubblicato in Francia, A propos de l’URSS nel 1973.

14.02.2010 # 1262
Zurigo | Il design senza forma | Museo del design

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Milano | Yayoi Kusama I want to live forever

Fino al 14/02/2010

Giappone, ancora Giappone. E' un periodo in cui l'arte giapponese è al centro dello scenario internazionale. Al PAC ( Padiglione d'Arte Contemporanea) di Milano arriva la più grande artista giapponese contemporanea, Yayoi Kusama. Espone sculture, dipinti, installazioni. Alla biennale di Venezia del 1966, supportata da Lucio ontana, stupì il pubblico con l'opera Narcissus Garden - 1500 sfere metalliche installate nel prato in una esibizione improvvisata. Qui invece espone opere dell'ultimo decennio, dipinti figurativi e astratti recenti, opere scultoree e i disegni formativi degli anni '50 e '60, quando si trasferì giovanissima a New York. Si possono ammirare il bellissimo e spettacolare dipinto a cinque pannelli I want to live forever del 2008, assieme ai giochi infiniti di colore e di trame chiamati Infinity Net, ai giochi di specchi e di luce dell'istallazione Aftermath of Obliteration of Eternity. Il tutto risente dell'influenza degli Infinity Net, ovvero la possibilità di inserire porzioni di infinito nello spazio precostituito della tela, in un ensemble psichedelico e onirico, sancito da un'idea imperitura e costante di morte, quasi ossessiva, morte come mortalità e caducità. Il tema dell'infinito, che si riscontra anche nelle sue enormi sculture, viene affrontata inoltre con l'uso degli specchi che riflettono, appunto, all'infinito, e la rimandano senza sosta, l'immagine ottica. C'è in mostra anche la grande Narcissus Garden, che Yayoi Kusama riporta in Italia dopo quarant'anni.

14.02.2010 # 1259
Zurigo | Il design senza forma | Museo del design

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Prato | After Utopia

Fino al 14/02/2010

Partendo dalla nuova Brasilia progettata dal grande architetto Oscar Niemeyer, questa mostra ospitata dal Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci, indaga sulla concezione spazio temporale nell'arte brasiliana attraverso 27 artisti, che partendo da questa utopia, approdano ad un "posto senza luogo", punto d'incontro tra un Brasile antico e uno moderno, rappresentando lo spazio come simbolo del futuro e luogo di trasformazione temporale. L'utopia brasiliana viene qui mostrata nella sua fase di superamento, una sorta di meta-utopia, un progetto estetico che va oltre quella visone e ne traccia l'uscita. Fulcro di questo superamento restano l'idea di giustizia e di uguaglianza in cui l'utopia a è vista come una sorta di motore e di meccanismo funzionale alla storia, mentre l'ideologia ne è la depositaria, colei che conserva tutto e lo mantiene. In questo senso, l'arte brasiliana contemporanea dimostra di liberarsi dalle contraddizioni del passato attraverso una visone dell'arte più libera e incondizionata. Espongono artisti noti sul piano internazionale come Laura Vinci, Helio Helio Oiticica a Waltercio Caldas, Cildo Meireles, Ernesto Neto e Andrè Komatsu.

07.02.2010 # 1320
Zurigo | Il design senza forma | Museo del design

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Rovereto | Kendell Geers. Irrespektiv

Fino al 07/02/2010

Al MART di Rovereto arriva Irrespektiv che si inserisce in una vasta rassegna dedicata all’artista sudafricano Kendell Geers, da sempre impegnato in una riflessione profonda sul tema della segregazione razziale. La mostra è una coproduzione europea ( Belgio, Francia, Inghilterra, Italia ). Il titolo è una parodia della parola retrospettiva ed esprime subito il tono provocatorio della mostra. L’artista è stato molto attivo nella denuncia dei folli meccanismi dell’apertheid fino a modificare la propria data di nascita, facendola risalire al maggio 1968 ( il maggio francese che da il senso politico alle battaglie di Kendell ). Ma è soprattutto con i suoi lavori che Kendell Geers esplora i confini geografici e linguistici, territoriali, politici, sessuali e psicologici dell’uomo in cui, quest’ultimo, deve prendere una posizione precisa nei confronti del mondo dinanzi a sé. Ne consegue un arte impegnata nel profondo, che suscita reazioni estreme nei visitatori coinvolgendolo in questo discorso artistico - politico, pubblico - privato, artistico - attuale, in cui l’arte diventa veicolo di denuncia e di tensione, elemento fondamentale di resistenza attiva. Notevole è l’installazione “POSTPUNKPAGANPOP” (2008), un inedito assoluto per l’Italia, composta da un labirinto circondato di uno speciale filo spinato, escogitato dalle forze di polizia sudafricane con lo scopo di provocare più danni di un comune filo spinato. L’ossessione apertheid ritorna sempre, così come la denuncia della borghesia bianca sudafricana che all’epoca viveva in un clima di assoluto distacco e ipocrisia. La mostra è passata attraverso lo S.M.A.K di Gand e al BPS 22 di Charleroi, in Inghilterra al BALTIC Centre for Contemporary Art di Newcastle e al MAC Musée d'art contemporain di Lione, concludendosi in Italia al Mart, Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento rielaborata da Kendell Geers ogni volta, diversa e originale rispetto le altre.

02.02.2010 # 1350
Zurigo | Il design senza forma | Museo del design

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Milano | Paolo Ulian | Tra gioco e discarica

Fino al 28/02/2010

Al Triennale Design Museum, compreso nel progetto MINI & Triennale CreativeSet si è appena aperta la mostra Paolo Ulian. Tra gioco e discarica, che conclude il primo ciclo dedicato al design italiano contemporaneo in questo prestigioso spazio espositivo denso di significati. La mostra, allestita e curata da Enzo Mari, consiste in una selezione di oggetti e documentazione di opere del designer che con ironia e leggerezza esprimono la sua visione del mondo. Le opere sono divise in quattro gruppi : contestare lo spreco della discarica; minimizzare lo scarto; reinterpretare oggetti esistenti e il gioco del design. Le opere di Ulian inserite nel gruppo “contestare lo spreco della discarica” , sono in effetti opere uniche di un artista-artigiano, lontane dai cicli produttivi, mentre tutte le altre opere sono già entrate far parte della produzione seriale. A riguardo, la direttrice del Triennale Design Museum, nel saggio introduttivo al catalogo, scrive: “Ulian non pensa mai, in modo esclusivo, né all’oggetto né al corpo che lo utilizza, ma al momento e al modo in cui le due entità entrano in contatto e in relazione. In questa modalità, la sua progettualità trova una delle sue cifre più esclusive e peculiari. Tanto che vien voglia di definire il suo lavoro come un esempio alto, elegante e originale di design relazionale”. Il risultato è una grande quantità di idee, di cose da cui nascono inevitabilmente nuove idee, nuove soluzioni, nuove finalità, come nel caso del fiammifero che si impugna al centro ( Double Match) e che si può accendere due volte o dell’anello/spazzolino da dito (Brush-Ring ). La finalità è quella di reinterpretare e giocare con gli oggetti. Il progetto MINI&Triennale CreativeSet presenterà, assieme ad Ulian, il lavoro di sei designer italiani, portando avanti così il percorso di analisi, valorizzazione e lancio della nuova creatività italiana, sulla linea dell’omonima mostra The New Italian Design del 2007, del progetto Prime Cup e della mostra Spaghetti Grafica 2”. Paolo Ulian ha esposto in molte mostre in Italia e all’estero e ha vinto premi come il Design for Europe Award il Design Report Award, il premio Dedalus, il Design Plus e l’IF Award . All’attivo ha collaborazioni con collaborato con Driade, Bieffeplast, Fontana Arte, Luminara, Zani e Zani, BBB Bonacina, Sensi&C., Droog Design, Coop, Azzurra Ceramiche, Skitsch.