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Mostre ed eventi // Pagina 1 di 114
07.02.2019 # 5183
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Federica Cerami // 0 comments

L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Uno dei più grandi fotografi del mondo ha deciso di regalare a tre giovani un sogno impossibile


«Sono Salgado, so che mi state cercando. Cosa posso fare per voi?».
 


Inizia con queste parole l’avventura nella quale, uno dei più grandi fotografi del mondo ha deciso di regalare, a tre giovani un sogno impossibile: esporre nel loro nascente caffè letterario di Reggio Emilia, 100 foto tratte da una sua retrospettiva che racchiude 30 anni di reportage realizzati nell’Africa sub-sahariana che immortalano gli effetti devastanti di guerre, carestie, malattie e deforestazioni.

Il progetto di Claudio Melioli, Khadija Lamami e Alessandro Patroncini punta a rigenerare uno ambiente urbano degradato e creare reti sociali attraverso l’apertura di un nuovo spazio per il quale sono stati utilizzati per gli arredi, delle vecchie strumentazioni delle ferrovie donate dalla Regione Emilia-Romagna. L’intento di questi tre giovani sognatori è di risanare un quartiere dalla pessima reputazione e fare in modo che l’integrazione possa arrivare anche in periferia, creando un incubatore di economia solidale in un quartiere – quello della stazione di Reggio – da sempre zona franca; un guazzabuglio di emarginazione e disillusione in cui gravitano balordi, pusher e giovani extracomunitari senza identità e futuro.

Grazie alla incredibile generosità di Salgado, da sempre molto attento alle tematiche sociali, la mostra potrà essere aperta al pubblico dal 9 febbraio al 24 marzo e sarà divisa tra lo spazio di via Turri – dove saranno visibili gli scatti realizzati tra il 1974 e il 2005 nel sud del continente tra Mozambico, Malawi, Angola, Zimbabwe e Ruanda – e quello di via Gerra, poco distante, che accoglierà tra gli altri i reportage realizzati dal 1973 al 2006 nelle Regioni dei Grandi laghi tra Repubblica Democratica del Congo, Burundi, Tanzania, Zaire, Senegal ed Etiopia. L’ingresso sarà gratuito perché, affermano i ragazzi: «Salgado ha donato le sue foto a noi e noi le doniamo al pubblico. Presto attiveremo un crowdfounding su sito https://b49.it/  perché vogliamo che questa associazione cammini con le sue gambe anche dopo la fine della mostra».

15.05.2020 # 5523
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Daria La Ragione // 0 comments

THE SKY INSIDE US - opening/enclosing

ripensare una mostra

Magari dico una sciocchezza, ma spesso ho avuto la sensazione di entrare in un museo o di visitare una mostra con uno spirito non diverso da quello con cui si entra in un supermercato: per vedere cosa offre, se mi offre, se c´è qualcosa che potrò consumare.

È una cosa di cui mi sono accorta qualche giorno fa per la prima volta, quando ho letto il comunicato stampa di THE SKY INSIDE US, un’esposizione che avrebbe dovuto svolgersi proprio durante la quarantena e che, di conseguenza, era stata sospesa.

Lunedì 18 la mostra dell’artista 8ki (alias Gianfranco De Angelis) riaprirà, o meglio, chiuderà al pubblico: non un opening, ma un enclosing, una chiusura dello Spazio NEA, di Luigi Solito e di Marco Izzolino che, con l´artista, hanno deciso di accettare la sfida di ripensare totalmente la mostra.

Dal 18 maggio al 18 giugno, dalle 10.00 alle 19.00, chi lo vorrà potrà provare un’esperienza diversa di fruizione dell’arte e:

- trascorrere 5-7 minuti da solo all’interno dell’installazione; 

- avere a disposizione dei materiali editoriali in cui saranno fornite le parole chiave per comprendere i diversi livelli di significazione dell’opera e poter così averne una lettura personale;

- l’opportunità di incontrare una o tutte le parti coinvolte nella realizzazione del progetto (artista, curatore, gallerista, editore) in un’area separata rispetto a quella in cui si trova l’installazione.

Questa modalità di fruizione mi ha fatto ripensare a quanto accennavo all’inizio: quanto davvero riusciamo a entrare in rapporto con l’arte? Le altre persone, soprattutto a un opening, sono un ostacolo alla creazione di questo rapporto o fanno parte di quell’esperienza? E come cambia la mia aspettativa quando entro da sola in una galleria, con 7 minuti e delle chiavi di lettura? Sono ancora lì per capire se quell’esperienza mi offre qualcosa? O questa stessa nuova modalità di accedere alla galleria è essa stessa un’esperienza e quindi mi predispone in modo diverso alle opere?

Io lo scoprirò lunedì, ma per chi volesse approfondire di seguito il comunicato stampa con tutte le informazioni:





COMUNICATO STAMPA

8ki (alias Gianfranco De Angelis)

THE SKY INSIDE US

Enclosing time (ovvero un opening chiuso che rompe il lockdown)


Quelle che seguono sono le prime righe del comunicato stampa della mostra di 8ki che Spazio NEA era pronto a inaugurare il 3 aprile scorso:


Venerdì 3 aprile alle ore 19:00 Spazio NEA presenta the sky inside us, personale di 8ki (alias Gianfranco De Angelis), a cura di Marco Izzolino. Il progetto espositivo ideato per la galleria napoletana di Lugi Solito sarà visitabile fino al 31 maggio. 


Poi l’8 marzo l’Italia intera si è fermata e nessuna mostra ha più potuto essere visitata. 


La chiusura forzata così ci ha obbligati a un totale ripensamento della mostra, ma ci ha fatto anche realizzare quanto profetico sia stato il progetto espositivo. The sky inside us era – ma continua a essere – anche un invito a riflettere su quanto la nostra vita sia influenzata da tutti gli agenti naturali e artificiali che sono presenti nell’aria che respiriamo: un invito a comprendere l’intima e delicata connessione che c’è tra il cielo fuori e dentro di noi.

Abbiamo pensato che per la sua capacità visionaria il progetto di 8ki vada comunque raccontato, e – soprattutto – raccontato in questo momento in cui tutto il mondo sta ancora vivendo gli effetti di un virus pandemico che circola nell’aria. Sicché la nostra idea è di aprirla e renderla fruibile già dal primo giorno in cui saremo ufficialmente fuori dalla quarantena forzata.


Ma il ripensare questa mostra ha significato anche per noi rimodulare completamente il meccanismo della fruizione espositiva; per ragioni contingenti, ma anche per poter amplificare i possibili effetti sui visitatori dei contenuti che the sky inside us tenta di trasmettere. Il frutto di questo lavoro di ripensamento ha generato un ulteriore livello di significazione. Da una prima idea di mostra intesa in senso tradizionale ne è scaturito un progetto in cui il concept, lo spazio espositivo, lo studio degli effetti sul pubblico e i supporti editoriali si integrano e si completano l’un l’altro per generare un unicum che non è più soltanto una mostra.

Abbiamo colto l’opportunità di avere una relazione diretta e personale con l’opera d’arte trasformando la galleria in un vero e proprio “gabinetto delle arti”, un ambiente dedicato alla fruizione personale ed esclusiva.


A partire dalla data di apertura così tutti avranno l’opportunità di:

- trascorrere 5-7 minuti da soli all’interno dell’installazione; 

- avere a disposizione dei materiali editoriali in cui saranno fornite le parole chiave per comprendere i diversi livelli di significazione dell’opera e poter così averne una lettura personale;

- l’opportunità di incontrare una o tutte le parti coinvolte nella realizzazione del progetto (artista, curatore, gallerista, editore) in un’area separata rispetto a quella in cui si trova l’installazione.


Abbiamo dunque trasformato l’opening in un enclosing, cioè un momento in cui invece di aprire la mostra al pubblico, sarà il pubblico ad avere l’opportunità di fruire in forma privata e diretta della mostra. The sky inside us sarà così anche un’occasione per riflettere su nuovi e vecchi meccanismi di fruizione dell’arte e proporre una modalità sperimentale di visione unita alla consultazione di apparati d’approfondimento per trasformare la visita alla mostra in una intima e straordinaria esperienza conoscitiva.


E in questo “spazio” si inserisce anche la volontà da parte nostra di immaginare nuovi scenari, di pensare a “cosa” vorremmo fare alla riapertura? e soprattutto come? da dove iniziare?

Ci siamo dati una risposta, una risposta che corrisponde a una parola specifica: RICEVERE.

Ricevere chiunque, uno alla volta allo Spazio NEA, per parlare d’arte contemporanea, per parlare di editoria, per parlare del futuro... Insomma quello che abbiamo sempre fatto, ma vis à vis.

Riceviamo chiunque – e vi consiglio di farlo – perché da oggi ciascuno di noi dovrà incontrare tutti i giorni persone e dedicargli del tempo, soprattutto a chi non ne abbiamo dedicato prima. Per questo abbiamo previsto dei tavoli tematici, dei desk dove sedersi e scambiare opinioni.


Intorno avremo una nuova mostra, l’istallazione the sky inside us dell’artista 8ki: il primo opening al chiuso, senza folla, senza glamour. Un’installazione che già in origine voleva essere presentata “sottovoce”, una mostra che avrebbe avuto la durata del “lockdown”, lo stesso confinamento che è nella natura dell’istallazione. Proprio per questo abbiamo deciso di riproporla “chiusa”, facendone acquisire così un significato diverso attraverso una fruizione essenziale, destinata al singolo, per una lettura senza filtri. Una mostra che si pensava di posticipare in autunno, ma poi abbiamo capito che è proprio questa la sua natura: esistere in questo periodo, essere visitata in semi isolamento. 


La fortuna, inoltre, di aver trovato nella persona di Marco Izzolino, curatore, studioso e scrittore attento, un alleato nell’immaginare il progetto e una figura chiave per il suo sviluppo. Insieme, il curatore, l’artista, Marco Polito e io saremo dall’altra parte dei desk ad aspettarvi.


Un’esposizione senza esporsi, un enclosing, un cielo dentro

(Luigi Solito - Spazio NEA)



artista: 8ki (alias Gianfranco De Angelis)

titolo: the sky inside us

a cura di: Marco Izzolino

durata: 18 maggio - 18 giugno 2020

dove: Spazio NEA, via Costantinopoli 53 - Napoli

orario: lunedì - domenica dalle 10.00 alle 19.00

ingresso: libero

info e contatti: +39 329 56 48 758 (solo WhatsApp) | 081 45 13 58 | info@spazionea.it




Per le modalità di fruizione dell’istallazione the sky inside us di 8ki si precisa che:

- l’ingresso è consentito a 1 persona (massimo 2) per volta 

- la durata massima della visita è di 5-7 minuti

- l’ingresso (via Costantinopoli) e l’uscita (piazza Bellini) sono separati 

- alla fine del percorso di uscita, e quindi in un’area separata dalla galleria, è possibile soffermarsi per incontri di confronto ai desk tematici presenti (artista, curatore, gallerista, editore)

- all’ingresso sarà presente un dispenser con gel igienizzante (come previsto dalle vigenti norme sanitarie) e sarà distribuito un pamphlet informativo realizzato dall’artista come testimonianza tangibile di questo momento storico


30.04.2020 # 5522
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Paolo Falasconi // 0 comments

La Reggia di Caserta si racconta nei filmati del Mibact

Il filmato “Sguardioltre” ripercorre attraverso gli scatti fotografici di Fabio Caricchia gli scorci e i dettagli più belli del sito Unesco di Terra di Lavoro.

“La posizione è di eccezionale bellezza, nella più lussureggiante piana del mondo, ma con estesi giardini che si prolungano fin sulle colline; un acquedotto v’induce un intero fiume, che abbevera il palazzo e le sue adiacenze, e questa massa acquea si può trasformare, riversandola su rocce artificiali, in una meravigliosa cascata. I giardini sono belli e armonizzano assai con questa contrada che è un solo giardino” con le parole di Johann Wolfgang Goethe che visitò la Reggia di Caserta, ospite del grande pittore di corte Jakob Philipp Hackert nel1787, durante il suo viaggio in Italia, si apre il nuovo contributo video del Palazzo Reale dei Borbone, disponibile sul canale YouTube del MiBACT dove dall’inizio della pandemia musei, istituti, biblioteche, archivi, parchi archeologici e soprintendenze forniscono contributi e esperienze virtuali per continuare a far vivere la cultura.



Il filmato “Sguardioltre” ripercorre attraverso gli scatti fotografici di Fabio Caricchia gli scorci e i dettagli più belli del sito Unesco di Terra di Lavoro. Ecco comparire la Castelluccia, la fontana di Eolo, la fontana di Diana e Atteone, la fontana dei Delfini, il Giardino Inglese, lo Scalone d’onore, il Vestibolo, il Teatro di Corte, la Cappella Palatina, gli Appartamenti Reali, il Teatro di Corte e la spettacolare Cascata. Questo contributo è un’anticipazione della bellezze artistiche che presto torneremo a visitare dal vivo.

Con questa iniziativa il Mibact, attraverso un impegno corale di tutti i propri istituti, mostra così non solo ciò che è abitualmente accessibile al pubblico, ma anche il dietro le quinte dei beni culturali con le numerose professionalità che si occupano di conservazione, tutela, valorizzazione. Attraverso il sito e i propri profili social facebook, instagram e twitter il Ministero rilancia le numerose iniziative digitali in atto.

Sulla pagina La cultura non si ferma del sito https://www.beniculturali.it/laculturanonsiferma, in continuo aggiornamento, sono inoltre già presenti diversi contributi dei luoghi della cultura statali.

26.02.2020 # 5444
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Marco Maraviglia // 0 comments

Fino al 31/01 al Blu di Prussia // Giovanni Gastel, Selected Works, 25 foto in mostra al Blu di Prussia

Per la prima volta a Napoli il fotografo di moda in mostra con le sue eleganti opere che appartengono ormai all’immaginario. Con una rivelazione: Il digitale? È la nascita della fotografia.



Chi è Giovanni Gastel

Giovanni Gastel nasce a Milano nel 1955. Negli anni Settanta, avviene il suo primo contatto con la fotografia. Inizia con lo still-life. Dal 1982 ha collaborato con “Vogue Italia”, “Mondo Uomo” e “Donna”. Dai primi anni Ottanta a oggi, Gastel ha collaborato con più di 50 testate italiane ed internazionali e pubblicato circa 130 copertine; ha prodotto oltre 500 campagne e cataloghi per diverse maisons di moda (come ad esempio: Dior; Trussardi; Guerlain; Missoni; Tod’s) e grandi firme di beauty, gioielli e design (tra cui: Artemide ed Edra). Nel 2002, nell’ambito della manifestazione La Kore Oscar della Moda, ha ricevuto l’Oscar per la fotografia. Ha scritto e pubblicato vari libri.

La postproduzione è la nascita della fotografia

I fotografi che hanno vissuto a cavallo dei due secoli attraversati dal passaggio dall’analogico al digitale hanno avuto una fortuna che pochi hanno colto.

Giovanni Gastel è uno di quelli che ha sfruttato le opportunità tecniche del digitale per evolvere il proprio lavoro.

Cari dinosauri della fotografia, amanti della pellicola, di ingranditori e baritate, di palummelle (come si dice a Napoli: le stecchette di ferro filato con le sagome per mascherare in camera oscura le zone in ombra) e “la magia della luce rossa è un’altra cosa”, abbiate un minimo di ripensamento.

L’analogico è archeologia, col digitale la fotografia sta finalmente nascendo! Lo dice Giovanni Gastel, uno dei fotografi di moda italiani che ha a che fare con i più grandi stilisti del Made in Italy e internazionali.

Con Versace è stata un’esperienza bellissima, <>

Accade quando un committente si fida particolarmente delle qualità tecnico-creative di un fotografo e gli dà carta bianca. Nessun layout da seguire, nessun briefing, nessuna riunione con un qualche reparto creativo del cliente. Basta conoscere lo stile del fotografo che diventa una garanzia del lavoro che produrrà.

Fotografare per Giovanni Gastel, un rito

Fotografare, per Giovanni Gastel, è come compiere un vero e proprio rito per ambire alla bellezza assoluta. L’immagine si deve imprimere nella memoria, deve essere ricordata dall’osservatore ma innanzitutto da lui.

Gastel percepisce i desideri della committenza ma in relazione all’utilizzatore finale: le donne e gli uomini che indosseranno i vestiti.

Abiti che passano quasi in secondo piano perché è l’atmosfera che ricrea, l’espressione o la posa di una modella che ne costruiscono il brand.

Giovanni Gastel durante i casting per la scelta dei soggetti da ritrarre bada particolarmente ai dettagli. Lui sa che le mani, dai polsi stretti, dalle dita lunghe e affusolate, possono incidere non poco sulla comunicazione dell’immagine intera. Sceglie in base all’espressività mimico-facciale, ai dettagli del corpo.

A volte gli bastano solo tre scatti per sapere di avere la foto “assoluta”. Lo sente. Questione di istinto ed esperienza. Altre volte si rende conto che ne deve scattare molte di più.


© Giovanni Gastel

L’estetica di Giovanni Gastel

Le immagini, quelle di Giovanni Gastel, lontane dalla volgarità, di grande eleganza, la donna non è oggetto ma espressione di estrema femminilità intima, delicata, che non ammicca ma seduce.

Ho formato la mia estetica sulle persone di famiglia

Le foto esposte sono stampate in fine art su diversi tipi di supporti. Giovanni Gastel usa talvolta contrasti con alte luci al di sotto del limite ma sempre dalle ombre morbide. Ambientazioni ricreate in studio con scenografie e giochi di ombre e luci che accentrano l’attenzione sulle parti migliori della modella: il volto a volte così serico che sembra preziosa porcellana, le gambe, le spalle, la schiena. Il tutto in un’armonia ellenica, talvolta dai tratti artistici fiamminghi e rinascimentali.

È un mondo oltre, quello che il pubblico può osservare attraverso le immagini di Giovanni Gastel, estatico oltre che estetico, silenzioso, ricco di un benessere evocativo puro, senza rumore.

E Giovanni Gastel continua con la sua ricerca, sperimentando, con una fotografia “auto-commissionata” tornando anche alle sue radici, allo still-life.

GIOVANNI GASTEL – “SELECTED WORKS”

a cura di Maria Savarese

Al Blu di Prussia

Dal 19 ottobre al 31 gennaio, apertura al pubblico mar-ven 10.30-13.00/16.00-20.00, sab.10.30-13.00

Ingresso libero.


© Giovanni Gastel

26.02.2020 # 5443
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Paolo Falasconi // 0 comments

Modigliani e l’avventura di Montparnasse. A Livorno dal 7 novembre 2019

Giovedì 7 novembre apre al Museo della Città (piazza del Luogo Pio) la grande retrospettiva “Modigliani e l’avventura di Montparnasse. Capolavori dalle collezioni Netter e Alexandre” visitabile fino al 16 febbraio 2020

Modigliani a Livorno

In occasione del centenario della morte di Amedeo Modigliani (Livorno,1884 – Parigi,1920), il più illustre fra i livornesi, saranno eccezionalmente riuniti, nelle sale del Museo della Città di Livorno, 14 dipinti e 12 disegni del più straordinario artista del ‘900, oltre a più di un centinaio di altri capolavori dell’Ecole de Paris, appartenuti ai due collezionisti più importanti che hanno accompagnato e sostenuto “Dedo” nella sua vita.


Non solo Modigliani

Insieme alle opere di Modigliani saranno esposti, inoltre, più di un centinaio di altri capolavori, anch’essi collezionati da Jonas Netter a partire dal 1915. Si tratta di opere rappresentative della grande Ecole de Paris.
Tra queste si potranno ammirare dipinti di Chaïm Soutine come L’Escalier rouge à CagnesLa FolleL’Homme au chapeau e Autoportrait au rideau, eseguite dal 1917 al 1920; opere di Maurice Utrillo come Place de l’église à MontmagnyRue Marcadet à ParisPaysage de Corse; opere di Suzanne Valadon come le Trois nus à la campagneAndrè Derain con Le Grand BagneusesSt.Tropez e Portrait d’homme (Jonas Netter) di Moïse Kisling, artista polacco che ci ha lasciato uno dei ritratti più emblematici del collezionista Jonas Netter.



Orari
Lunedì – Giovedì ore 10.00 – 19.00

Venerdì, Sabato e Domenica ore 10.00 – 23.00

Nessun giorno di chiusura.

In occasione di festività gli orari potrebbero subire variazioni.

Per informazioni 0586 – 824551

07.02.2019 # 5181
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Marco Maraviglia // 0 comments

Francesco Rastrelli in mostra con La fortuna di esser nato a Napoli

Un calendario in omaggio ai visitatori della mostra presso la più antica stamperia di Napoli negli affascinanti locali che hanno resistito nel tempo.

Le prime foto che vidi oltre vent’anni fa di Francesco Rastrelli, furono delle diacolor sulla mattanza di Favignana che mi fecero subito capire lo spessore tecnico e umano del suo modo di approcciarsi a ciò che fotografava. Uno stile fresco, dinamico, colpo d’occhio veloce, un certo senso della previsione dell’azione…


Nato a Mergellina, Francesco Rastrelli si afferma come art director nell’advertising internazionale… asseconda la sua passione per il mare, dedicandosi a fotografia ed archeologia subacquea…


Da più di dieci anni è approdato al photo yachting, in particolare di vele d’epoca, di cui segue come fotografo ufficiale i Raduni del Mediterraneo nonché i restauri delle più belle barche d’antan; alla passione per il mare si affianca quella per le Auto Classiche, di cui segue i rally in tutta Europa. 


C’è un certo quid in chi è nato a contatto con il mare. Nascere a Mergellina credo sia stato caratterizzante per Francesco Rastrelli perché è uno dei pochi fotografi che hanno “il mare dentro”, in sintonia con tutte le sue danze, i suoi tempi e ritmi, i suoi umori.


Francesco Rastrelli l’ho sempre collocato nel mio immaginario tra quei pochi fotografi per me “riconoscibili anche senza credit” specializzati in fotografia nautica, subacquea e di tutto il mondo intorno al mare.


Quando ho saputo che avrebbe allestito questa mostra su Napoli, mi sono chiesto se il tema non fosse già stato esaurito ampiamente da ogni fotografo e se non temeva il rischio di cadere nella banalità, nella ridondanza di immagini stereotipate di Napoli…


La fortuna di esser nato a Napoli


Si è fortunati nel nascere in città eclettiche, creative, liquide, stimolanti come Napoli, ma si è ancor più fortunati nel nascere vicino al mare. Perché sono del parere che se nasci in un contesto, hai l’imprinting di quel mondo.


Perché entri in contatto visivo con le grafiche auree ed essenziali della natura marina che assorbi e, anche se inconsciamente, restano quelle che ti fanno osservare in un certo modo tutto il resto.


Ma se poi hai lavorato anche per diversi anni nell’advertising, il senso estetico della composizione che “deve comunicare” ce l’hai comunque per affrontare ogni genere di soggetto. E, se il soggetto può essere scontato, già ritrito in tutte le salse, resta il modo di come lo comunichi che conta.



Il calendario

In realtà il pretesto della mostra è stato quello di realizzare un calendario da regalare.

Un piccolo grande progetto di Francesco Rastrelli, tra i tanti lavori già realizzati in tandem con le Officine Grafiche Francesco Giannini & Figli, la più antica industria tipografica napoletana dal 1856 e che ospita la mostra.

Il calendario è un oggetto di cui se n’è perso un po’ il suo senso classico e prezioso di una volta.

Regalare un calendario è un modo per ringraziare l’affezionata clientela con la quale mantenere un legame nell’arco dell’anno successivo. Perché per tutto l’anno non puoi dimenticarti del barbiere o dell’impresa che ti ha ristrutturato casa. Quel calendario ti resta davanti agli occhi, per 365 giorni.

 

Per chi ha vissuto gli anni ’70 ricorda sicuramente la quantità calendari in omaggio che entravano in casa. A volte quasi non si sapeva dove appenderli.

Oggi è difficile trovare qualcuno che ti regali un bel calendario.

Sembra che produrre il calendario aziendale sia un investimento che non dia più un buon feedback. Forse è meglio organizzare festicciole per presentare una nuova sede aziendale con annesso buffet e, in tale occasione, recuperare indirizzi mail per lo “spam consensuale”. O altre fantasmagoriche alternative.

Strategie di marketing che cambiano…

Francesco Rastrelli, classe ’64, è figlio del Baby Boom e quindi per questo è legato probabilmente al concetto del calendario da dare in omaggio. E infatti non è nemmeno il primo che realizza…



Le immagini di “La fortuna di essere nato a Napoli”

Aumenta il turismo in città, aumenta l’offerta ricettiva, aumentano le visite guidate… ma tra i souvenir, tanti magneti e niente calendari. O almeno non è facile trovarne di un certo gusto.

Sembra complicato rappresentare Napoli attraverso fotografie che non ricadano nello stereotipato, nell’oleografica, nel banale, nel déjà vù, eppure, credo che il segreto delle foto scattate da Francesco Rastrelli, sia stato proprio il luogo comune di Napoli.

Ciò che il turista imprime nella mente durante il suo soggiorno a Napoli, è proprio il Maschio Angioino, Santa Chiara, Piazza Plebiscito, Castel dell’Ovo…

Nessuna inquadratura virtuosa, nessun dettaglio che decontestualizzi in maniera astratta la città, nessuna “ora blu”, nessuna spettacolarizzazione della città con grandangolate a fish-eye o dronate (tra l’altro Francesco ha anche la patente per “volare” con drone). Il segreto consiste in realtà nel “semplice semplice”: semplice il soggetto e semplice la sua inquadratura.

Una semplicità affinata poi dal viraggio seppia, da una cornice che ricorda i bordi di certe stampe del ‘900 di quando erano emulsionate a mano le carte, dall’equilibrio delle ombre e luci… senza particolari spennellate di correzione in Camera Raw che ingannerebbero la percezione media che potrebbe avere un turista.

Perché sono immagini realizzate fondamentalmente da un comunicatore.

Francesco Rastrelli non può non conoscere quella vecchia regola della grafica che “è meglio togliere che aggiungere” ma sa anche che la percezione latente di un osservatore riesce a cogliere in maniera minimalista la stampa quadricromica in Offset, pur se l’effetto finale è monocromo.

Perché la semplicità è eleganza ed è più diretta.


Caratteristiche tecniche delle immagini esposte

Francesco Rastrelli ha esposto ventidue immagini nei locali degli uffici delle Officine Grafiche Giannini in via Cisterna dell’Olio.

Stampate a laser su carta ad effetto baritata, firmate e con timbro a secco e successivamente calandrate su cartone grigio/grigio.

Alcune appese al muro, altre su cavalletti.

Ogni immagine è accompagnata da citazioni di personaggi del mondo della cultura internazionale: da Goethe a Erri De Luca, da Eduardo De Filippo a Giorgio Bocca; e poi Stendhal, Elsa Morante, John Turturro, Christian De Sica, Luciano De Crescenzo… testi che sono grandi testimonianze di affetto verso la città e, in particolar modo, di chi non ha avuto la fortuna di nascere a Napoli.

 

Francesco Rastrelli, La Fortuna di esser nato a Napoli

Fino all’8 marzo 2019

Visitabile: giov. e ven. dalle 16.00 alle 18.00

Officine Grafiche Francesco Giannini & Figli

Via Cisterna dell’Olio, 6/B

24.10.2018 # 5126
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Marco Maraviglia // 0 comments

Simona Guerra e la vita agra del creativo. Sulle tracce di Bianciardi

Quando la proprietà intellettuale viene derubata e si progetta una improbabile vendetta contro un sistema marcio che vive impropriamente di cultura

Chi è Simona Guerra

Simona Guerra, classe ’73. Da circa vent’anni ha trasformato la sua passione per la Fotografia in una professione per cui è riconosciuta a livello nazionale organizzando eventi e mostre.

E scrive. Scrive di fotografia tra cui alcune biografie dei grandi Mario GiacomelliMario DonderoCesare Colombo.

Vive tra Bologna e Senigallia, dove è nata.

Simona Guerra svolge un lavoro circoscritto nella sfera creativa. Chiunque svolga una professione creativa, in cui il lavoro intellettuale è predominante, attraversa inevitabilmente magagne di ogni genere, per il microcosmo in cui si opera, composto spesso da individui gretti, ignoranti, superficiali o arrampicatori sociali e politici.

Gente che a volte, di fronte a progetti culturali, non solo li individuano come strumenti arrivistici, ma non ne afferrano il lavoro intellettuale e l’impegno che c’è dietro. O non vogliono volutamente comprenderlo. Un impegno che non è solo creativo, non solo “una bella idea”, ma fatto anche di ricerca, di contatti con le parti coinvolte, di sforzo per redigerlo con schede e slide esplicative, eventuali partner e sponsor da coinvolgere…

<> Si direbbe. Dietro quelle carte c’è un lavoro. E il lavoro va rispettato.






La proprietà intellettuale è una cosa seria


Chissà a quanti di quelli che stanno leggendo, sarà capitato il furto di un’idea. Quanti si saranno visti una propria foto rubata, pubblicata su un cartaceo o una rivista online senza nemmeno l’attribuzione del credit, del proprio nome, e senza nemmeno percepire un giusto compenso.

Quanti post sui social non sono “condivisi” ma copiati e incollati facendo credere di averli scritti di proprio pugno?

Non si tratta di rispetto della paternità del pensiero (scritto o figurativo) di chi lo produce, di etica e deontologia, ma dell’assenza del pensiero stesso di chi non è capace di progettare.

L’ignoranza porta a confondere il pubblico dominio, qualcosa che sta da qualche parte, con il Creative Commons.

E tanta altra roba…


Il lavoro per la cultura


Simona Guerra è un’operatrice culturale del mondo della fotografia e ha voluto raccontare la storia di un suo analogo che lascia il proprio paesello dopo aver subito il furto del progetto di una mostra da parte dei responsabili dell’Assessorato alla Cultura e con tradimento del fotografo che, pur di fare la mostra, preferisce fregarsene della paternità del progetto stesso.

Legami politici, legami con chi conta per tenere in piedi la macchina elettorale e sostenere chi garantisce che certa politica fatta di scambi di favore continui ad esistere.

Un mondo adornato da burocrati, galoppini e di giornali schierati, di cui la cultura, quella che potrebbe risollevare la civiltà dal pantano creato da un sistema economico becero, non è altro che una strada da sfruttare appropriandosi di idee mal manipolate, proprio per quegli interessi economici e politici e non per mera conoscenza e ampliamento dei propri orizzonti intellettuali, sociali e civili. E con questo processo le idee buone possono scomparire facendo deteriorare l’intera offerta culturale.


Per me non è un libro di denuncia, no, ma raccontare quello che vedo e che provo. Chiedermi soprattutto cosa posso fare per stare meglio? Come fare a trovare un mio equilibrio in questo terremoto continuo? Come potrei modificarmi in questo mondo che cambia?

Il mio libro non sposterà niente, nessuno.

– Simona Guerra –


Nella “grande città” le cose non sono poi così diverse


Il protagonista lascia il proprio paese per andare a lavorare nella “grande città”, un luogo anonimo che potrebbe essere un qualsiasi capoluogo italiano. I rapporti col suo saggio compagno sono inficiati dalla lontananza e da nuovi incontri e si rende conto di ritrovarsi in un mondo non tanto diverso nelle sue dinamiche arrivistiche.


Per leggere il proprio nome citato nel colophon di un catalogo e quindi vedersi finalmente riconosciuto il proprio lavoro, ce ne vuole.


Come tanti lavori creativi che non hanno un albo ufficiale alla stregua di quelli di avvocati, medici, ingegneri ecc., il protagonista vive la sua condizione di precario “a partita IVA”, in un territorio di sciacalli e squali in cui il mobbing e la pratica dell’obliare le persone è prassi. I meriti non bastano.


C’è un gran lavoro da fare di relazioni pubbliche, sorrisi a cattivo gioco, compromessi. Aleggia in lui l’idea di trasferirsi all’estero dove c’è comunque da faticare per farsi strada ma con maggiore lealtà. Dove se telefoni a un addetto stampa ci parli e non trovi l’irraggiungibile “addetto al muro di gomma”.


Il protagonista scalcia in questo mondo ma non incontra solo feccia umana. Artisti e colleghi disinteressati si lasciano riconoscere e si rende conto che può farcela e che quel desiderio latente di vendetta dinamitarda va scemando.


L’epilogo è brividamente agro e felice.



Note tecniche del libro

Tre fascicoli 15×21 per un totale di 116 pagine ripiegate e leggibili in un paio d’ore. Non rilegate. Nessuna brossura, nessuna cucitura a filo refe. Nemmeno spillate. Tenuti insieme, prima della lettura, solo da un nastrino rosso con sigillo di cera lacca.


Font graziato, corpo 12, margini al testo di circa 2cm, una media di dieci parole a rigo… Insomma, un libro di buon stile grafico.


Leggendo questo libro a letto, sorridevo nella mia incazzatura per le pagine che scivolavano tra di loro. È un modo per restituirci e farci comprendere, la precarietà del lavoro di un free-lance.


All’interno alcune foto di Massimiliano Tursi che ritraggono i luoghi vissuti dallo scrittore Luciano Bianciardi a cui Simona si ispira (La vita agra, 1962).


È un romanzo indipendente. Forse un po’ scomodo. Ma bisogna dare il merito a Simona Guerra di aver un attimo esorcizzato, liberandosene, di un certo modo di fare cultura. Non fa riferimento a fatti e persone perché in realtà non esistono. O forse sì. Solo gli addetti ai lavori potrebbero riconoscersi, dall’una o dall’altra parte.


 


La vita è ancora agra, signor Bianciardi


Di Simona Guerra


Edizioni in(con)tra


ISBN 978-88-999359-13-3

20.10.2018 # 5123
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Francesco Pontolillo // 0 comments

Gli incredibili 2 – Come ti ricreo digitalmente la fotografia con Renderman

La resa fotografica de

Nelle varie fasi della computer grafica, una di quelle che tende ad essere più sopravvalutata alcune volte è quella relativa al lighting.

A volte si crede che basta piazzare semplicemente una serie di luci, magari stando attenti a dove sono fisicamente le sorgenti di luce (lampadine, finestre, etc..) per credere di aver illuminato correttamente una scena.

Tuttavia lo studio della corretta illuminazione prevede in realtà una moltitudine di concetti, che toccano la fotografia, la pittura e la narrazione visiva in generale.

In Pixar questo lo sanno bene, avendo in molti film costruito veri e propri capolavori visivi, tramite l’uso sapiente e ben gestito di fonti luminose. A volta disposte in piccole quantità, altre invece usate in modo molto più massiccio, ogni luce però aveva sempre un senso, uno scopo ed una cura ben precisa.

Questo avveniva già quando la tecnologia, non potendo fare affidamento su potenze di calcolo mostruose come adesso, si accontentava di artifici e soluzioni poco “realistiche” ed approssimative.

Gli stessi film di Monster and Co., Ratatuille, Alla ricerca di Nemo e Toy Story, parlano di questo sapiente uso delle luci, non condizionato dalla carenza di mezzi tecnici “potenti”.

Oggi, con l’enorme evoluzione delle strumentazioni hardware (tra schede video sempre più performanti, processori con sempre più core e potenza singola, hard disk allo stato solido che riescono a gestire dati a velocità impressionati, le possibilità si sono letteralmente ampliate.

Ed anche colossi dell’animazione, come la Pixar, che l’animazione in CGI l’ha proprio inventata, hanno adattato il loro “WorkFlow” di lavoro alle recenti tecnologie, in parte stravolgendo il modo di illuminare che avevano già sapientemente forgiato con il tempo.



Ecco quindi l’uso di calcoli e tecniche di rendering come l’indirect lighting tramite global illumination, il rendering in tempo reale tramite l’IPR, che anche in Pixar iniziano a fare capolino.

Ciò però che non è cambiato (per fortuna) è il modo in cui si pensa all’illuminazione!

Oggi il direttore della fotografiaEric Smitt, che ha curato la creazione delle scene de “Gli Incredibili 2”, ci porta dietro l’ideazione e la realizzazione di alcuni set di luci creati per l’ultimo film di animazione dello studio di Emeryville, appena uscito nelle sale.

Eric come direttore della fotografia ha avuto modo di collaborare a lungo tempo con la Pixar, ma al tempo stesso è stato per molti anni e continua ad essere anche un direttore di fotografia per live action(vale a dire i film girati normalmente in pellicola).

Proprio per questo motivo il suo tipo di studio, tende ad essere il più reale possibile (avendo appunto in mente le fenomenologie e casistiche proprie del lighting di un set reale).

Questo ha significato, durante tutto lo sviluppo della illuminazione de “Gli incredibili 2”, un approccio molto più volto all’uso sapiente e ponderato delle fonti di luce presenti in scena, senza l’uso di troppi “trucchi” artistici (che in passato avevano aiutato molto le rese artistiche delle luci della Pixar).

Insomma, pochi artifici e molto studio dietro il corretto posizionamento in scena delle geometrie 3D che avrebbero poi “motivato” le posizioni delle luci virtuali, esattamente come nel caso di un direttore di fotografia di scene reali per Film in pellicola!


Guarda il video su ilas magazine


25.05.2018 # 5053
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Daria La Ragione // 0 comments

STAR WARS IS BACK!

a Monza fino al 30 settembre

Luke Skywalker, Dart Fener, la Principessa Leila, R2-D2, C-3PO saranno solo alcuni dei protagonisti di Star Wars is back!, l’esposizione di mattoncini Lego® che ripropone alcuni dei momenti più emozionanti della saga di Guerre Stellari.

Ideata e prodotta da LAB Literally Addicted to Bricks, in collaborazione con ViDi, Giuliamaria e Gianmatteo Dotto, il Consorzio Villa Reale e Parco di Monza, col patrocinio del Comune di Monza, Star Wars is back! presenterà quattro diorami, costituiti da oltre un milione di mattoncini e abitati da più di duemila minifigure.

La rassegna nasce dalla fantasia di Wilmer Archiutti, fondatore di LAB, laboratorio creativo di Roncade, in provincia di Treviso, che realizza forme e architetture con i mattoncini che da più di quarant’anni privatamente colleziona con passione e dedizione.

Un ambiente estremamente realistico accoglierà i visitatori per introdurli all’interno di un universo fantastico dove prenderanno vita le vicende degli eroi galattici.

Ognuno dei quattro diorami racconterà una storia. Quella della Battaglia di Endor -realizzata con tecnica classica ‘mattoncino su mattoncino’ - è ambientata in una fitta foresta di alberi, in cui si potranno scovare, nascosti tra la vegetazione, tanti piccoli Ewok.

Il percorso espositivo proseguirà con la celebre Battaglia di Geonosis, che si tiene nell’omonimo pianeta caratterizzato da una pianura deserta con guglie rocciose, base di produzione di droidi da battaglia e con la ricostruzione del pianeta Hoth, uno scenario polare e innevato che si ispira al secondo episodio della prima trilogia in cui si sviluppa la Echo Base, sede dei ribelli capitanati dalla Principessa Leila.

Il quarto diorama riprodurrà le lande desertiche del pianeta Tatooine, luogo centrale nella trama di vari film della saga. È tra le sue sabbie, infatti, che ci sono stati alcuni degli incontri chiave della storia, come quello in cui il robot R2-D2 e l’umanoide C-3PO vengono raccolti dai Jawa e venduti a Luke Skywalker.

Star Wars in back! propone un’esperienza unica nel suo genere che riunisce il lato ludico a quello artistico rivolgendosi non solo ai più piccoli ma anche agli appassionati, ai curiosi e a tutti coloro che amano ampliare i loro orizzonti.

All’interno della mostra sarà possibile giocare e divertirsi con i mattoncini nell’area gioco dedicata ai più piccoli per creare le proprie fantastiche costruzioni; saranno inoltre organizzati laboratori ad hoc per bambini.


15.05.2018 # 5042
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Daria La Ragione // 0 comments

ROBERT DOISNEAU. Pescatore d'immagini

a Pisa fino al 17 giugno

Dal 23 marzo al 17 giugno 2018, il Museo della Grafica (Comune di Pisa, Università di Pisa) presenta la mostra Robert Doisneau. Pescatore d’immagini.

Curata dall’Atelier Robert Doisneau – Francine Deroudille ed Annette Doisneau – in collaborazione con Piero Pozzi, prodotta e realizzata da Di Chroma Photography, ViDi - Visit Different, la mostra offre l’occasione di ammirare, attraverso una suggestiva selezione di 70 immagini in bianco e nero, l’universo creativo del grande fotografo francese.

Nel raffinato allestimento delle sale di Palazzo Lanfranchi, il percorso espositivo si apre con l’autoritratto del 1949 e ripercorre i motivi più cari a Doisneau, conducendo il visitatore in un’emozionante passeggiata nei giardini di Parigi, lungo la Senna, per le strade del centro e della periferia, nei bistrot e nelle gallerie d’arte della capitale francese.

I soggetti prediletti delle sue fotografie sono, infatti, i parigini: le donne, gli uomini, i bambini, gli innamorati, gli animali e il loro modo di vivere in questa città senza tempo. Nelle parole dell’artista: “Le meraviglie della vita quotidiana sono così eccitanti; nessun regista può ricreare l’inaspettato che si trova nelle strade”.

Doisneau ha lasciato l’immagine della Parigi più vera, ormai scomparsa e fissata solo nell’immaginario collettivo: quella dei bistrot e dei clochards, delle antiche professioni e dei mercati a Les Halles, dei caffè esistenzialisti di Saint Germain des Prés punto d’incontro per intellettuali, artisti, musicisti, attori, poeti, come Jacques Prévert, che con Doisneau condivise un’amicizia fraterna e testimoniata dallo scatto Prévert au guéridon, che lo ritrae seduto al tavolino di un bar con il fedele cane e l’ancor più fedele sigaretta.

Tra i capolavori più celebri esposti a Pisa anche Le Baiser de l'Hôtel de Ville, fotodel 1950 che ritrae una giovane coppia che si bacia davanti al municipio di Parigi mentre la gente cammina veloce e distratta. L’opera, per lungo tempo identificata come un simbolo della capacità della fotografia di fermare l’attimo, non è stata scattata per caso: Doisneau, infatti, stava realizzando un servizio per la rivista americana Life e per questo chiese ai due giovani di posare per lui. Nelle sale di Palazzo Lanfranchi è inoltre possibile ammirare Les pains de Picasso, in cui l’artista spagnolo, vestito con la sua tipica maglietta a righe, gioca a farsi ritrarre seduto al tavolo della cucina davanti a dei pani che surrogano, con la loro forma, le sue mani.

Come sottolinea Andrea Ferrante, Assessore alla Cultura del Comune di Pisa e Presidente del Museo della Grafica: "Una mostra importante per cui ci aspettiamo una forte partecipazione. Pisa, che negli stessi mesi ospiterà altri eventi di notevole caratura, sarà meta obbligata per tutti gli appassionati della grande fotografia".


15.05.2018 # 5041
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Daria La Ragione // 0 comments

FULVIO ROITER. Fotografie 1948-2007

a Venezia fino al 26 agosto

La Casa dei Tre Oci presenta la prima retrospettiva dedicata al grande Fulvio Roiter dopo la sua scomparsa, il 18 aprile 2016. 200 fotografie, per la maggior parte vintage, raccontano l’intera vicenda artistica del fotografo veneziano.

 

Promossa dalla Fondazione di Venezia in partenariato con la Città di Venezia, la mostra ripercorre l’intera carriera fotografica di Fulvio Roiter, presentandosi come la più completa monografica mai realizzata sull’autore e la prima dopo la sua recente scomparsa. Un omaggio e un ricordo che la Casa dei Tre Oci ha voluto dedicare al fotografo che più di ogni altro ha legato l’immagine di Venezia al proprio nome.

 

L’esposizione, curata da Denis Curti, resa possibile grazie al prezioso contributo della moglie Lou Embo, farà emergere attraverso 200 fotografie, la maggior parte vintage, tutta l’ampiezza e l’internazionalità del lavoro di Fulvio Roiter, collocandolo tra i fotografi più significativi dei nostri giorni. Partendo dalle origini e dal caso che hanno determinato i primi approcci di Roiter alla fotografia, nel pieno della stagione neorealista, di cui il fotografo veneziano ha ereditato la finezza compositiva, il percorso racconta gli immaginari inediti e stupefacenti che rappresentano Venezia e la laguna, ma anche i viaggi a New Orleans, Belgio, Portogallo, Andalusia e Brasile. Ne derivano 9 sezioni, ciascuna espressione di uno specifico periodo della vita e dello stile di Roiter: L’armonia del racconto; Tra stupore e meraviglia: l’Italia a colori; Venezia in bianco e nero: un autoritratto; L’altra Venezia; L’infinita bellezza; Oltre la realtà; Oltre i confini; Omaggio alla natura; L’uomo senza desideri. In tal modo, il percorso espositivo, fluido e coerente, scandisce le tappe di una vita interamente dedicata alla fotografia e alla ricerca di quei luoghi dell’anima che ne hanno ispirato la poetica, assumendo come unico punto di riferimento la pura e sincera passione, vissuta dall’autore tra scenari di viaggi, scoperte e amori incondizionati.

 

L’allestimento si arricchisce di videoproiezioni, ingrandimenti spettacolari e una ventina di libri originali, che, oltre a visualizzare in pagina l’opera di Roiter, restituiscono anche la vastità di contributi critici dei tanti autori che hanno scritto sul suo lavoro, tra cui Andrea Zanzotto, Italo Zannier, Alberto Moravia, Ignazio Roiter, Fulvio Merlak, Gian Antonio Stella, Roberto Mutti, Giorgio Tani, Enzo Biagi. Non manca il breve ma intenso ricordo della moglie Lou, riferito a quel primo incontro in Belgio, che fu la nascita di un rapporto umano e professionale lungo quarant’anni.

 

Contenitore e veicolo ideale dell’opera artistica di Fulvio Roiter è stato infatti, sin dal principio, il libro fotografico. E la completa dedizione verso di esso ha portato l’autore a ricevere numerosissimi e importanti riconoscimenti come il prestigioso Premio Nadar, ottenuto nel 1956, con il libro Umbria. Terra di San Francesco, e il Grand Prix a Les Rencontres de la Photographie d’Arles, nel 1978, con Essere Venezia.

 

Con lo stesso approccio, meticoloso e attento, con cui lavorava ai progetti editoriali, Roiter non tralasciava alcun passaggio della produzione fotografica. Per queste ragioni, le stampe (come anche i libri) doveva realizzarle lui personalmente, nella camera oscura allestita in casa sua, per poi timbrarle e firmarle, al fine di esaltarne e tramandarne il valore. Un valore che per l’autore poteva essere misurato solo attraverso amore e passione, e la cui grandezza risuona nelle parole della nipote Jasmine come una promessa e una speranza: “Può una parola così piccola, foto, diventare così grande? Possono due sillabe riuscire a portarti in mondi lontani, in posti segreti, possono raccontarti una favola intima e silenziosa? Sì, possono. Le fotografie del Nonno, però, sembrano voler graffiare le pagine dei libri per poter uscire e diventare, se possibile, ancora più reali” (Jasmine Moro Roiter, Essere Roiter, 22.04.2016).

 

Durante l’apertura della mostra un ricco programma di attività collaterali e iniziative contribuirà a evidenziare il nesso tra la vita e l’arte di Roiter e la città di Venezia attraverso incontri e approfondimenti.


11.05.2018 # 5038
L’incredibile regalo di Sebastiao Salgado ai tre ragazzi del Binario 49

Daria La Ragione // 0 comments

STEVE McCURRY. ICONS

a Pavia fino al 3 giugno

Le Scuderie del Castello Visconteo di Pavia ospiteranno un’ampia retrospettiva dedicata al lavoro di Steve McCurry (Darby, PA, 1950), uno dei più grandi maestri della fotografia contemporanea.

La mostra Steve McCurry. Icons, curata da Biba Giacchetti, organizzata e prodotta da ViDi, con Civita Mostre e SudEst57 in collaborazione con la Fondazione Teatro Fraschini e il Comune di Pavia – Settore Cultura, raccoglierà oltre 100 scatti che documenteranno quanto di meglio l’artista americano ha realizzato in quarant’anni di attività.

Sarà un’esposizione che condurrà i visitatori in un viaggio simbolico nel complesso universo di esperienze e di emozioni che caratterizza le sue immagini e che toccherà paesi come l’India, l’Afghanistan, la Birmania, il Giappone, il Brasile.

Non mancherà il ritratto di Sharbat Gula, la ragazza afghana che McCurry ha fotografato nel campo profughi di Peshawar in Pakistan e che, con i suoi grandi occhi verdi e col suo sguardo triste, è diventata un’icona assoluta della fotografia mondiale.

“Con le sue foto Steve McCurry ci pone a contatto con le etnie più lontane e con le condizioni sociali più disparate – afferma la curatrice Biba Giacchetti - mettendo in evidenza una condizione umana fatta di sentimenti universali e di sguardi la cui fierezza afferma la medesima dignità. Con le sue foto ci consente di attraversare le frontiere e di conoscere da vicino un mondo che è destinato a grandi cambiamenti. La mostra inizia, infatti, con una straordinaria serie di ritratti e si sviluppa tra immagini di guerra e di poesia, di sofferenza e di gioia, di stupore e d’ironia”.

All’interno del percorso espositivo sarà proiettato un video, dal titolo “Le massime di Steve McCurry”, in cui l’artista americano racconta il suo modo di intendere la fotografia e un altro filmato, prodotto dal National Geographic, dedicato alla lunga ricerca che ha consentito di ritrovare, 17 anni dopo, “la ragazza afghana” ormai adulta.

Incluse nel prezzo del biglietto saranno a disposizione del visitatore audioguide in cui lo stesso Steve McCurry descrive la nascita di 50 tra le foto esposte in mostra.

Per tutta la durata della rassegna è in programma una serie di attività didattiche, incontri e visite guidate gratuite per bambini e adulti.

Una mostra “family friendly”, con un angolo per l’allattamento per le mamme, una sala didattica con accesso libero per le famiglie, un percorso creato ad hoc per i bambini, un kit didattico in omaggio da ritirare in biglietteria appositamente creato per la visita dei più piccoli. Inoltre, all’interno delle Scuderie, un’opera ad “altezza bambino” attenderà i giovani visitatori per un’esperienza immersiva a loro dedicata.


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