Si dice che Corot ( 1796-1875) sia stato il pittore, che mai come nessun altro, abbia dato un'anima ai paesaggi. Nella prima metà dell'800, da quando soggiornò in Italia, precisamente dal 1825 al 1828, si diede alla pittura dei paesaggi, sull'impronta di Canaletto, altro grande paesaggista, ma soprattutto di Jhon Constable, il pittore inglese noto per i suoi paesaggi atmosferici e la sua pittura poco materia e molto evocativa, assieme a Turner, cui Corot, tornando dall'Italia, guardò con estrema attenzione. Corot inaugura una nuova epoca pittorica grazie alle abbondanti dosi di colore che egli stende sulla tela, che hanno la funzione essenziale di evocare la materia, la roccia piuttosto che l'albero, ma in senso pienamente atmosferico attraverso una consistenza corposa. Il filo con la classicità e con l'analiticità topografica della tradizione si spezza per lasciare il posto ad una pittura diversa, dove il sentimento e l'immaginazione prendono corpo e si dipingono veri e propri paesaggi dell'anima. In questa mostra vedremo le impressioni che il grande pittore francese ha lasciato sugli altri artisti, come ad esempio Monet, Poussin, Claude, Annibale Carracci e suoi suoi contemporanei come Valenciennes, Bertin, Michallon. Per tutti i paesaggisti moderni egli è stato un progenitore al contempo tradizionale e innovatore e la mostra di Verona illustra questo aspetto in pieno. La generazione di artisti che venne dopo, a cui la rivoluzione pittorica e concettuale di Corot aprì la strada, fu quella di Monet, Ricasso, Cesanne e ognuno di loro ne colse e ne assorbì aspetti importanti, come gli aspetti sintetici e costruttivi ( Cézanne), la disintegrazione della materia pittorica della pittura ( Monet ), il simbolismo ( Denis ). Picasso ne fu grande collezionista e l'influenza di "père Corot" come venne chiamato da questi grandi artisti, fu grande anche su Braque e Mondrian. Ogni elemento viene assunto per sviluppare un determinato concetto pittorico, come la monumentalità della forma in Picasso o la scomposizione costruttiva della pennellata in Mondrian. Quindi, apparentemente l'impalcatura classica di Corot è evidente, ma dentro questa impalcatura il segno e la materia pittorica sono in completa evoluzione e recano in nuce tutti i futuri e più importanti cambiamenti che si avranno nella pittura moderna e contemporanea. La mostra, curata da Vincent Pomarède (massimo esperto di Corot e direttore del dipartimento di pittura del museo del Louvre) è realizzata in collaborazione con il Louvre e si espongono circa 100 dipinti da Poussin a Ricasso, di cui almeno il 50% sono di Jean Baptiste Camille Corot.

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Questa del Gnam, Galleria nazionale d'arte moderna di Roma è la più grande retrospettiva che un museo italiano abbia mai dedicato a Sandro Chia per in 40 anni di carriera. Chia proviene dalla Transavanguardia, un movimento artistico nato negli anni settanta che si proponeva di andare oltre la pittura e per usare le parole dell'artista: "In quegli anni Settanta eravamo un manipolo di ragazzacci provenienti dall'arte concettuale che, proprio per questo, facevamo i conti con l'azzeramento del linguaggio. Eppure, avevamo imparato qualcosa e con noi la Transavanguardia ha inaugurato la meta-pittura, che sarebbe la pittura senza talento". Curata da Achille Bonito Oliva, che in quegli anni decodificò e promosse il movimento, che comprendeva anche Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria, Mimmo Paladino, la mostra consta di circa 61 opere di cui cinque sculture e 56 opere monumentali. In Chia, fiorentino del '46, l'impianto monumentale si associa ad una poetica della natura, un lirismo e un'energia vitale assimilata attraverso colori vivaci e accesi. Sandro Chia ci porta in una dimensione panteistica, in cui l'opera monumentale, gigantesca, vede figure titaniche immergersi in un quadro naturale che fa da sfondo e cornice in una visione bucolica, pastorale in cui l'essenza umana si fonde con l'essenza naturale. Gli ispiratori di Chia, ancora oggi, sono Chagall, Cézanne, Picasso, De Chirico, il Carrà metafisico a quello novecentista, e Duchamps e in proposito egli dice "Cezanne o Picasso non volevano essere abili artigiani della pittura, che comunque resta, come forma espressiva, l'unica maniera rigorosa per applicarsi all'uomo, all'emozione. Ogni quadro è un nuovo teatro. Ogni quadro è lo spazio tra un capolavoro e l'altro. I capolavori sono stati già tutti fatti in passato, ma visitando i grandi musei ho subito capito che c'è sempre posto per un altro lavoro. Io non sono Antonello da Messina o Piero della Francesca, ma proprio da questo traggo la mia libertà".

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L'artista Ceco David Cerny espone le sue opere più famose alla CO2 contemporary art di Roma, in una mostra curata da Maria Letizia Bixio. L'artista è noto per le provocazioni e geniali istallazioni degli ultimi anni, tra cui l'opera presentata nella Hall del Parlamento europeo, dove espose un'istallazione chiamata Entropa, che consisteva nella costruzione di una cartina dell'Europa molto folkloristica e stereotipata, basta pensare all'Italia che fu rappresentata come un intero campo di calcio. In quell'occasione ebbe una grande eco internazionale grazie alla stampa, soprattutto per l'ironia usata nell'opera che colpì molti visitatori corsi a vedere la sua istallazione. Le opere qui esposte sono inedite in Italia. Vedremo un opera molto provocatoria, SHARK basata sul ritratto di Saddam Hussein con il linguaggio artistico di Damien Hirst, il tutto accompagnato durante l'intera esposizione da SMALLNESS, una serie di miniature in bronzo e marmo da vedere rigorosamente da molto vicino, quasi gattonando, per poterne cogliere, vista la piccolezza ( appunto "smallness") i particolari. Cerny è un artista proveniente dall' ex blocco socialista, è uno che ha vissuto la rivoluzione di velluto nella repubblica Ceca che oggi festeggia i vent'anni dalla caduta del socialismo, un mese dopo la caduta del muro di Berlino. Questa mostra assume, quindi, anche un valore celebrativo legato a questo anniversario, vissuto non solo in Germania ma anche in Cecoslovacchia che all'epoca si divise, invece, in due stati che abolirono completamente dal loro nome la parola socialista, la Repubblica Ceca e la Slovacchia.

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Al Kunst Haus di Vienna è possibile vedere la mostra dedicata ad una delle più grandi fotografe di tutti i tempi, Annie Leibovitz. In mostra 150 opere tra vita privata e ritratti di celebrità. Le opere della Leibonitz sono ormai entrate a far parte dell’Olimpo della fotografie a sono delle vere e proprie icone di arte fotografica. Le immagini private, invece, sono assolutamente inedite e la cornice viennese del Kunst Haus le ospita per la prima volta. Organizzata dal Brooklyn Museum di New York vede allestiti i ritratti di artisti e politici come Mikhail Baryshnikov, William S. Burroughs, Demi Moore, Bill Clinton, Agnes Martin, Mick Jagger, Matthew Barney, Chuck Close, Robert de Niro e Scarlett Johansson che sono il cuore della mostra. Riguardo le fotografie appartenenti alla sfera privata, spiccano quelle della morte del padre, della nascita delle tre figlie, assieme alle fotografie dei paesaggi americani e giordani e quelle tratte da un bellissimo reportage che la Leibovoitz fece durante l’assedio di Sarajevo. Le immagini tratte dalle grandi riviste rappresentano, inoltre, un pezzo importante della cronaca popolare americana dal 1970. La mostra raccoglie le immagini scattate fino al 1990 e raccolgono in una splendida retrospettiva tutta la vita della grande fotografa. A questo proposito Leibovitz diceva: “This is one life, and the personal pictures and the assignment work are all part of it”. La vita e l’arte indissolubilmente unite.

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Alla Serpentin Gallery di Londra apre il 3 marzo un interessante retrospettiva dedicata a Richard Hamilton, classe 1922, pionieristico artista inglese che ha abbracciato diversi mezzi di comunicazione, dalla pittura alla tipografia, dall’istallazione al design industriale, fino all’incisione. Hamilton ritrae, attraverso stampe e dipinti la politica internazionale, le sommosse, gli atti di terrorismo, il modo in cui questi conflitti sono rappresentati dai media e in particolare dalla televisone e da Internet. L’artista inglese, che ha cominciato ad operare negli anni ’50, nel ’69 osservava che, mentre negli anni cinquanta si era diventati più consapevoli della possibilità di poter vedere il mondo intero, da quel momento in poi la visione del mondo diventata sempre più immediata e sintetica, grazie alla stessa grande matrice visiva costituita da tv, giornali e riviste. Le sue opere sono contraddistinte dalla frammentazione dell’immagine e dalla manipolazione dello spazio in riferimento a generi e stili diversi in maniera sempre critica, modo controbilanciato da un lirismo allegorico attraverso cui egli esplora il modus operandi dell’artista come in un’infinita serie di specchi che riflettono la stessa immagine da studiare. Negli anni cinquanta Hamilton fu il leader del gruppo della Pop Art inglese e membro di un gruppo indipendente formato da artisti e scrittori londinesi presso l'Istituto d'Arte Contemporanea. Sue retrospettive sono state ospitate alla Galleria di Hannover (1964) e alla Tate Gallery (1970 e 1992). Hamilton è stato rappresentante della Gran Bretagna alla Biennale di Venezia del 1993.

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