In occasione della kermesse cinematografica Terre di cinema dedicata al grande maestro Mario Monicelli, recentemente scomparso, s’inaugura il 14 gennaio a Palazzo Lanza di Capua la mostra fotografica San Pietro Infine: I luoghi della memoria, di Barbara Cantiello. San Pietro Infine è l’ultimo paese della Campania, al confine con il Lazio. In questi paese fu girata La grande guerra di Monicelli, storico film con Alberto Sordi e Vittorio Gassman. In più, nel paese sono ancora presenti tracce dei bombardamenti della seconda guerra mondiale. Cantiello mostra i luoghi del film raccontato da Monicelli, in un viaggio fotografico nella memoria storica. Oggi nel paese è nato un piccolo museo e d’estate si svolge un festival sui film storici dedicati al tema della guerra. Cantiello, ex allieva Ilas( specializzata in Art Direction nel 2005), è oggi, tra le altre cose, socia della Società Fotografica Casertana, organizzatrice della mostra. Della sua personale dice: "L'uomo prende possesso della terra e ne modifica l'aspetto. Gli spazi rurali divengono antropizzati. Le case prendono il posto dei campi e delle colline. Poi, a volte l'uomo abbandona le case che ha costruito, i manufatti che ha portato nelle case ed a volte l'abbandono sembra così repentino che tutto appare congelato. La natura, pian piano, incessantemente riprende il sopravvento. Ogni muro, ogni scala, ogni oggetto, viene ghermito ed a poco a poco avvolto. Testimone di questa lenta rivincita, di questo magico momento in cui l'uomo e la natura competono per il possesso dello spazio". Ed è proprio tutto questo che Cantiello fissa nelle sue fotografie, rendendo il territorio, il paesaggio e le vestigia di un passato ancora vivo e vegeto, indelebili nella memoria collettiva.

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Una raccolta di immagini prese dal “vero” a Napoli in mostra al MADRE. In mezzo ai vicoli, nelle periferie postmoderne, personaggi e panorami “paradigmatici”, figli dell’eccesso, nel bene e nel male. Napoli è una città che in tempo di crisi o no, resta sempre uguale  a se stessa, con le sue contraddizioni e la sua voglia di non sottrarsi al racconto, quello vero. E O vero! È anche l’espressione di falsa meraviglia e ironia che il napoletano medio esclama di fronte alla realtà, spesso incredulo. Un’esclamazione che riflette lo spirito disincantato di una città, la disillusione continua che scaturisce in immagini di personaggi che si mostrano per quello che sono o che credono di essere, la voglia di “guardare le cose in faccia”, magari con punti di vista e obiettivi( quelli della macchina fotografica) diversi. Ecco, quindi, le immagini straripanti riferite ai femminielli, alle statue che simboleggiano tutta la prorompente sensualità della città partenopea, i registi che da sempre cercano di raccontarla in maniera reale e un po’ borderline, con amore e con disincanto, gli attori, pieni di passione di coraggio, i fantasmi, gli sposi così scenografici e plateali, l’immondizia, i morti ammazzati, gli emarginati. Anche la finzione, così ben rappresentata quale simbolo della mostra, può determinare un effetto reale che reale non è, o almeno lo è solo in apparenza. 

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La pittura Art Field è stata definita dagli storici con una molteplicità di termini: Abstract Sublime, Cool Art, Hard-Edge painting, Lyrical Abstraction e Post Painterly Abstraction. Assieme a laser e computer, i colori vinilici della pittura Color Fields si diffondono negli States, negli anni ’70. Il motto è “la superficie è il messaggio”, con il titolo Color Fields che appare per la prima volta nel saggio di Irvin Sandler, Abstract espressionism. In questa mostra ospitata al Guggenheim di Berlino ci sono i protagonisti di questa pittura. 14 tele realizzate tra il 1959 e il 1971, 13 artisti uniti dall’astrazione post pittorica, campi cromatici e geometrici, un colore che si stende veloce e piatto sulla tela, in cui il pigmento è l’unico vero protagonista. Si va dalla pittura a macchia di Helen Frankenthaler, con un effetto di sospensione dei piani visivi, alle tele inclinate di Morris Louis, con il colore espresso nelle sue gamme assolute. E ancora, con Mark Rothko, il colore diventa suo dinamismo vivo inserito in una potenza architettonica, mediante la sovrapposizione di stesure cromatiche. Si raccontano gli Intervalli di colori, analizzati da Gene Davis fino all’abolizione del quadro inteso come pittura, di Frank Stella, reso simile ad un oggetto colorato, presentato come un pattern geometrico completamente autoreferenziale. Una pittura che esula dal contesto della pop art, che approfondisce il discorso dei Colorama, i giganteschi e coloratissimi poster pubblicitari con immagini di vita americana della middle class, piazzati in tutti i luoghi pubblici. Ma, in color fields, resta solo il colore.

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Chi è John Baldessari? Un artista nato in California,  di 79 anni suonati, con all’attivo oltre 200 mostre personali e 900 collettive. Probabilmente uno dei più influenti artisti di arte concettuale ancora vivente. Baldessari ha sperimentato un genere a metà tra arte presa altrove,come fotografie, dipinti, stampe, cosa tipica delle Pop Art, combinandole con testi e parole, cosa tipica, invece, dell’arte concettuale. Troviamo un condensato di tutto questo nei famosi Phototext, in cui l’artista, sosteneva di dover a tutti i costi costringere ad una riflessione il fruitore. Un altro spunto per comprendere l’arte di Baldessari è la citazione di un  altro artista nei suoi confronti( Nam June Paik) riguardo al fatto di “apprezzare più quello che egli lascia fuori che dentro”. Baldessari, affermò infatti di dare molta più importanza proprio all’assenza, a ciò che nell’arte restava fuori. Quando le sue opere cominciarono a diventare veri e propri eventi che tutti si aspettano, come nel caso dell’opera del ‘71 Sto facendo arte, in cui ripete continuamente per 13 minuti Non farò più arte noiosa, allora cambia subito registro e passa ad altro. Baldessari è anche l’artista che brucia le sue opere. I dipinti realizzati tra il ‘53 e il ‘66 vengono radunati in una cerimonia  e bruciati, poi raccolti in un’ urna. In seguito egli pubblica in proposito un necrologio con la scritta Requiescat in pace, John Baldessari, Pittore. Un atto rituale di purificazione, insomma, attraverso il quale si apre una nuova “poetica” artistica. Come il mettere insieme immagini prese dai bugigattoli di Los Angeles, immagini riferite  a film di vario genere, privati dal loro significato, in fotocomposizioni in cui l’artista imprime vigore attraverso un’azione significante, la pittura di un cerchio ad esempio.  Nel 2009 la Biennale di Venezia gli assegna il Leone d’oro alla carriera, una consacrazione. Questa mostra ospitata al Metropolitan di New York è la chiusura di una retrospettiva aperta l’anno scorso alla Tate di Londra, che è passata per Barcellona e Los Angeles, dal titolo Pure Beauty, come la prima mostra personale di Baldessari. Un tributo, con opere di 5 decadi di lavoro di un artista ritenuto leggendario.

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