Catalogo della mostra

Baselitz inizia il suo percorso nel 1961-1962 con la pubblicazione del manifesto "Pandämonium" e una prima serie di quadri che, sotto le sembianze di malattia psichica o di oscenità, si confrontano, in modo più o meno violento, con l'arte conformista di impronta borghese. Dal 1966, l'artista si orienta verso una pittura svincolata da contenuti, esente da spunti aneddotici e da motivi realistico-descrittivi. Primo passo su questa strada sono gli Streifenbilder, particolarmente ben rappresentati in mostra, della fine degli anni Sessanta. Ma il passaggio decisivo consiste senz'altro nel capovolgimento all'ingiù del soggetto dipinto, praticato a partire dal 1969. Inizialmente dipinti in maniera definita e a tinte squillanti, i soggetti si trasformano in motivi inusuali, abnormi, resi con tonalità monotone, come la serie di grotteschi personaggi che mangiano arance (Orangenesser, 1981). Negli anni Baselitz diventa indifferente al motivo prima, alla tecnica poi, tanto da non aver più bisogno di capovolgere l'immagine e giungere persino a scolpire il legno.

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Il catalogo della retrospettiva organizzata al MADRE di Napoli nell'inverno del 2008:una mostra che prende avvio dalle prime fotografie in bianco e nero di Thomas Struth per arrivare a presentare il nucleo più consistente della sua produzione, le immagini in grande formato che ritraggono paesaggi urbani e paesaggi naturali, interni di musei, facciate di chiese e ritratti. Immagini nelle quali il fotografo sembra ricercare atmosfere in grado di evidenziare il senso della collettività e della quotidianità, attraverso uno stile asciutto, immobile, privo di retorica. L'unione tra l'uomo e i suoi ambienti genera atmosfere rare. Così anche nelle immagini scattate all'interno dei musei, dove l'artista osserva il pubblico che contempla i quadri, ritraendo così la condizione esistenziale dell'uomo confrontato con la propria immagine nell'opera d'arte.

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La mostra consiste nella presentazione dell'opera Manège (letteralmente giostra) presentata nel 2006 presso lo spazio 315 del Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou di Parigi e per la quale Closky aveva vinto il prestigioso Prix Duchamp l'anno precedente. L'installazione mette in scena una serie di 16 schermi piatti appesi a intervalli regolari che "lanciano" una riflessione sul tempo: da prendere, trovare, avere, dare, fare, guadagnare, passare, o addirittura uccidere. L'artista svilupperà inoltre una nuova installazione site-specific per il grande cortile interno del Madre intitolata "Climb at your own risk"

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La prima retrospettiva dell'opera di vedovamazzei, il duo composto da Simeone Crispino e Stella Scala. Una selezione di lavori rappresentativi del percorso artistico dei due protagonisti e un gruppo di opere inedite realizzate per l'occasione. Sin dagli esordi, nel 1991, l'opera di vedovamazzei è stata caratterizzata da una esplicita carica corrosiva, da una visione fortemente sperimentale del lavoro artistico, in cui ogni opera diviene un momento di riflessione insieme poetica e politica sulla condizione umana, una continua sfida alle convenzioni, raccogliendo e mettendo originalmente in rapporto un'ampia gamma di esperienze, dalla storia contemporanea al cinema, dalla letteratura all'architettura, passando per la ricerca scientifica e la memoria collettiva. La retrospettiva include così opere di forte impatto visivo, come il grande lampadario-rifugio Climbing, l'insegna al neon Bojinka, che trasforma in attrazione spettacolare il nome in codice di uno dei più feroci piani terroristici concepiti in anni recenti, il video sotto il quale scorrono le parole di una canzone pacifista di Johnny Cash, e altre ancora in cui si rende ben visibile lo spirito sottilmente destabilizzante di vedovamazzei, quali le loro librerie, di cui viene rovesciata la tradizionale funzione di supporto.

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La prima monografia dell'artista curata dall'ex direttore della Tate, Rudi Fuchs in occasione della retrsopettiva di Fabro organizzata al MADRE di Napoli. La mostra si concentra sulla produzione di Fabro degli anni Sessanta attraverso una selezione di lavori fondamentali per la storia dell'arte italiana contemporanea, all'epoca estremamente innovativi e ancora esemplari per le nuove generazioni. Le opere di questo periodo già evidenziano il suo forte ed originale interesse per lo spazio inteso come dimensione comunicativa, la percezione dell'ambiente nel rapporto tra realtà esterna e interiorità e l'idea dell'opera (che spesso chiama elaborato) come materiale oggettivo che, nel suo farsi, favorisce lo sviluppo di nuovi piani di conoscenza. Proprio in questi primi anni della sua straordinaria carriera, Fabro realizza anche opere in vetro e altre in leggeri tubolari di metallo che evidenziano forme e materiali come semplici veicoli luminosi e dinamici

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