Nato a Modena nel 1933, è uno tra i fotografi italiani più conosciuti a livello internazionale.

I suoi esordi come fotografo risalgono agli anni sessanta ma è nel decennio successivo che la sua personale visione del paesaggio, carica di valenze cromatiche nuove, si impone con forza nel mondo della fotografia di ricerca.

Risale al 1976 una sua prima importante mostra presso l’Istituto di Storia dell’Arte dell’Università di Parma, esposizione in cui si delinea chiaramente l’uso prepotente e personale del colore. 

Occorre ricordare, a proposito, che fino a quegli anni la fotografia si era sempre espressa nei toni tradizionali del bianco e nero: il colore era ancora una prerogativa limitata per lo più ai reportage turistici e ambientali o ai servizi di moda per riviste patinate.

Fontana fotografa paesaggi urbani e naturali cogliendone certi tratti cromaticamente intensi. 

La sua fama, in Italia e all’estero, si intensifica con i suoi lavori in cui il paesaggio – grazie all’uso di focali lunghe e sapienti saturazioni – si trasforma in una sorta di segno grafico quasi astratto, modulato in strisce di colori intensi.

Da quegli anni ai nostri giorni molti saranno i lavori che Fontana porta a termine e presenta nelle gallerie e istituzioni di tutto il mondo: tra gli altri ricordiamo alcuni lavori degli anni ottanta come Paesaggio urbano, realizzato dopo un viaggio negli Stati Uniti; Presenzassenza, con ombre di persone che suggeriscono l’uomo in paesaggi di sapore metafisico; Piscine sul corpo femminile. Risalgono agli ultimi anni ulteriori ricerche sul paesaggio urbano e su certi suoi dettagli come la ricerca Asfalti.

Negli ultimi anni si dedica alla manipolazione fotografica ricorrendo anche alla tecnologia digitale. 

I suoi lavori sono esposti nei più importanti musei di tutto il mondo e ha partecipato a centinaia di mostre ricevendo decine di premi internazionali. 

Ha collaborato con grandi aziende per campagne pubblicitarie e le sue immagini sono state pubblicate dai più importanti giornali e riviste. 

Ha svolto e continua a svolgere una intensa attività didattica, tenendo conferenze. workshops e avendo la direzione artistica di numerosi eventi fotografici.

“Mi considero un reporter, qualunque cosa abbia fatto nella vita, ma sono piuttosto diffidente nei confronti dei generi e delle etichette. Guardo il mondo attraverso il prisma del linguaggio fotografico, tra le componenti del quale è fondamentale il rapporto col tempo e la memoria”….“Ricordare è lo stesso di immaginare; così raccontando un proprio tempo, uno lo trasfigura, lo immagina: letteralmente "lo racconta". E poiché il racconto è fatto di cose che si eliminano inconsciamente e di cose che si valorizzano, è sempre molto arbitrario, come lo è ogni gesto letterario. E ancora sulla fotografia e la "memoria": le fotografie non restituiscono "ciò che è stato", piuttosto ripropongono in una sorta di lancinante presente ciò che non è più”.

Ferdinando Scianna è uno dei più noti fotografi italiani.

Nato a Bagheria, il 4 luglio 1943, ha iniziato negli anni Sessanta raccontando per immagini la cultura e le tradizioni della sua regione d'origine.

Il lungo percorso artistico del fotografo siciliano  si snoda attraverso tematiche quali la guerra, frammenti di viaggio, esperienze mistiche, religiosità popolare, legati da un unico filo conduttore: la costante ricerca di una forma nel caos della vita. 

Iscrittosi inizialmente alla Facoltà di Lettere e Filosofia presso l'Università di Palermo, non porta a termine gli studi per dedicarsi alla passione fotografica. Nel 1963 Leonardo Sciascia visita quasi per caso la sua prima mostra fotografica, che ha per tema le feste popolari, presso il circolo culturale di Bagheria.  

Tra i due nasce una profonda amicizia determinante nel dare una spinta propulsiva alla carriera del giovane fotografo, dandogli la possibilità di accedere al mondo dell’editoria e ottenere la pubblicazione dei lavori fotografici.  

Sciascia partecipa, infatti, con prefazione e testi alla stesura del suo primo libro, Feste religiose in Sicilia, che gli fa vincere il premio Nadar nel 1966.

Ferdinando Scianna si trasferisce a Milano nel 1967 ed inizia a collaborare come fotoreporter e inviato speciale con l'Europeo, diventandone in seguito il corrispondente da Parigi. Nel 1977 pubblica in Francia “Les Siciliens” (Denoel), con testi di Domenique Fernandez e Leonardo Sciascia, e in Italia “La villa dei mostri” (introduzione di Leonardo Sciascia).

A Parigi scrive per Le Monde Diplomatique e La Quinzaine Littéraire.  

Incontra Henri Cartier-Bresson, le cui opere lo avevano influenzato fin dalla gioventù. Il grande fotografo lo introduce, come primo italiano, nella prestigiosa agenzia Magnum, di cui diventerà socio a tutti gli effetti nel 1989.  Nel frattempo stringe amicizia e collabora con vari scrittori di successo, tra i quali Manuel Vázquez Montalbán (che qualche anno più tardi scrive l'introduzione di “Le forme del caos”, 1989)

Negli anni Ottanta lavora anche nell'alta moda e in pubblicità, affermandosi come uno dei fotografi più richiesti. Fornisce un contributo essenziale al successo delle campagne di Dolce e Gabbana della seconda metà degli anni Ottanta.

 La fotografia di Scianna è un  gioco di luce-ombra. Il fotografo siciliano interpreta con il bianco e nero della sua pellicola la realtà, restituendo immagini di un mondo che vive oltre il dualismo dei contrasti. Lo sguardo di Scianna coglie sfumature e complessità. Il suo stile vive dello straordinario intreccio di  tensione drammatica, visceralità,  ironia e partecipazione.

Le fotografie di Scianna trovano la loro dimensione nel  racconto, nel narrare attraverso le immagini. Sono la testimonianza visiva di un mondo sconosciuto, popolare e parallelo. La sua indagine fotografica compie una ricerca sull’identità, individuale e collettiva, che si risolve nella scoperta del senso di appartenenza ad una tradizione, senza rinunciare ad uno sguardo critico.

Scianna trova un  linguaggio in grado di  raccontare una Sicilia che sta velocemente cambiando e sparendo.  Appropriatosi del sentimento di amore-odio, che il cuore di ogni vero siciliano ha ben presente, ritrae  l’amore, il senso di sicurezza, ma anche l’insofferenza nei confronti dell’immutabilità e delle ingiustizie sociali. Le sue immagini non dimostrano, ma mostrano il “teatro dell’esistenza” attraverso il fluire e il fluttuare dei destini e della storia di cui ognuno è partecipe.

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Maurizio Galimberti nasce a Como nel 1956.

La passione per la fotografia lo spinge a partecipare a numerosi concorsi fotografici, alcuni vinti addirittura con vari pseudonimi. 

Nei primi tempi utilizza la classica pellicola analogica, finchè nel 1983 avviene l'incontro con la Polaroid, che diviene un elemento fondante ed insostituibile del suo lavoro. 

La scelta avviene per il semplice motivo che non sopportava l'attesa dello sviluppo per vedere il risultato del suo scatto e per l'immediato apprezzamento della resa dei colori. 

Dai primi anni novanta si dedica esclusivamente alla fotografia, dopo aver abbandonato l'attività di famiglia. 

Nel 1991 inizia a collaborare con Polaroid Italia, della quale diviene ben presto testimonial ufficiale. Ai mosaici dedicati alle vedute urbane si affiancano i ritratti, che lo portano ad avere nel 1999 la nomina al primo posto nella classifica dei fotoritrattisti di Class. 

Ricordiamo inoltre la copertina di Times Magazine inglese del 27 settembre 2003, con il ritratto di Johnny Depp.

Ha realizzato numerose campagne pubblicitarie ed importati volumi dedicati a varie città del mondo.

Ha esposto il suo lavoro in gallerie pubbliche e private in Italia e all'estero.

Galimberti cita il fotografo Mario Giacomelli che sostiene: 

“La macchina fotografica è un attrezzo, l’importante è che nella testa di un fotografo ci sia la capacità di farlo funzionare bene”. 

Spesso Galimberti utilizza anche macchine usa e getta.

Si definisce un narratore di intimità quindi necessariamente va al di là di una semplice classificazione per genere.

Come paesaggista inizia il suo lavoro con “Viaggio in Italia” del 93 sulle orme del viaggio Goethe .

Galimberti arriva a definirsi un musicista per le modalità con le quali si approccia alla rappresentazione dello spazio. 

Nel suo desiderio di rapportarsi al luogo che ospita il suo sguardo lui restituisce, fotografando, quanto osservato “Suonando la musica del luogo”.

L’inizio e la fine di ogni brano musicale come di ogni sua fotografia è sempre lirico e poetico.

E’ molto legato all’idea del necessario equilibrio compositivo nella costruzione dell’immagine; definendosi ironicamente un geometra delle forme dello spazio.

Il suo modo di stare al mondo come fotografo ha un riferimento molto poetico.

Lui dice di essere come Cosimo del Barone rampante di Calvino. 

Sta seduto su di un albero e decide di scendere solo in funzione di certe situazioni che lo colpiscono.

A furia di guardare e riguardare uno spazio ce ne si appropria e si è pronti per poterlo raccontare (Doisneau) ed è questo il suo approccio alla fotografia.

Le sue immagini lui le definisce cariche di energie figlie della corrente futurista che attraversò mezzo mondo agli inizi del 900

DA UNA INTERVISTA

Lei ha creato una poetica sull’istantanea: com’è nata?

Quest’idea è nata nel tempo, all’inizio non me lo sarei mai aspettato. Piano piano ho maturato quest’intenzione: poi l’idea, unita a una forte progettualità, ha preso vita. 

Credo che sia importante credere nel proprio lavoro, conoscere bene il mezzo per saperne poi sfruttare tutte le potenzialità. 

Nei primi anni di lavoro la mia idea di panoramica era influenzata dal futurismo: immagini dinamiche realizzate grazie a un obiettivo rotante. 

Ero condizionato dal fotodinamismo dei fratelli Bragaglia – Anton Giulio e Carlo Ludovico Bragaglia si sono dedicati alla sperimentazione di tecniche fotografiche e cinefotografiche innovative, concentrandosi soprattutto sulla fotodinamica, avvalendosi anche del contributo del movimento Futurista ed in particolare di Marinetti. 

Poi, con Polaroid, ho iniziato gradualmente a scomporre le immagini in più piani di lettura, in diversi frammenti. 

Giorno dopo giorno ho capito qual era la strada che volevo percorrere, il sogno che volevo inseguire. 

La forte intenzionalità e la progettualità sono, ripeto, fondamentali. Man mano che lavori, metti a fuoco il sogno; man mano che lavori, cresci.

Mi definirei un artista perché vado a caccia di emozioni. 

Di sicuro non sono un fotografo perché non mi interessa raccontare la realtà.